Recientemente ha salido a la luz el primer trailer de la adaptación al cine del corto Lights Out. Y con motivo del estreno de dicha película este año vamos a recordar otros 10 cortos que finalmente acabaron por convertirse en películas con mejores o peores resultados.
APAGAR LAS LUCES (LIGHTS OUT) de David F. Sandberg:
Empezamos con la que ya habíamos comentado: Lights Out. Este corto sueco de 2013 de apenas 3 minutos de duración escrito y dirigido por David F. Sandberg y protagonizado por Lotta Losten (que aparecerá en la película) llamó mucho la atención, adquiriendo reproducciones a lo largo de internet, reconocimientos por varios festivales además de poder hacer más cortos que fueron dirigidos y protagonizados por el mismo tándem.
Y no fue enorme la sorpresa cuando no enteramos en 2015 que la Warner y
James Wan como productor llevarían el corto a la gran pantalla siendo el
debut en la dirección de Sandberg, con un guion del irregular Eric
Heisserer (Pesadilla en Elm Street 2010, La Cosa 2011 o Destino Final 5)
y protagonizada por Teresa Palmer y María Bello. ¿Llegará la película a
crear tensión y atmósfera como lo hizo el corto? Estará a la altura?
Estaremos atentos.
PIXELS de Chris Columbus:
En 2010 se pudo ver un corto francés dirigido por Patrick Jean que consistía en Nueva York siendo invadida por clásicos personajes de videojuegos de 8 bits. Un corto que fue bien recibido por lo general.
Pues en 2015 se estrenó la adaptación que produciría Happy Madison, dirigida por Chris Columbus (Solo en Casa o Harry Potter y la Piedra Filosofal) y protagonizada por Adam Sandler, Kevin James (como presidente de EE.UU. que nadie se terminó de creer), Michelle Monaghan o Pter Dinklage entre otros. El resultado fue una película masacrada por la crítica y que en taquilla funcionó por debajo de las expectativas recaudando 243 millones costando 88 millones más otros 57 en gastos de publicidad y marketing que además fue acusada de coger varias cosas prestadas del capítulo 18 de la tercera temporada de Futurama.
MAMÁ de Andrés Muschietti:
En 2008 salió un corto argentino de no más de 3 minutos que llamó la atención ya que consiste en un plano secuencia sin cortes en casi la totalidad del tiempo. El corto, que fue bien recibido, llamó la atención al mismísimo Guillermo del Toro quien decidió producir su adaptación al cine ya que le pareció uno de los cortos más aterradores que había visto y por lo bien que consigue crear tensión y atmósfera para los pocos medios que tenían.
La película se estrenó a principios de 2013 siendo el director del mismo corto, Andrés Muschietti, quien la dirigiría y co-escribiría junto a su hermana Bárbara (quien también produce) y Neil Cross con Jessica Chastain (que tras conocer aquí a del Toro luego se unirían de nuevo en Cumbre Escarlata) y Nikolaj Coster-Waldau. Finalmente fue un éxito de taquilla ya que costando 15 millones de hacer más otros 25 de publicidad, consiguió recaudar 146 millones y la crítica fue mixta tirando a positiva. Andrés ahora es el elegido por New Line Cinema (después de que Cary Fukunaga saliera del proyecto) para dirigir la adaptación en dos películas de It de Stephen King con su hermana Bárbara también produciendo.
DISTRITO 9 de Neill Blomkamp:
Neill Blomkamp se dio a conocer en 2006 cuando dirigió un corto ambientado en Johannesburg protagonizado y co-producido por Sharlto Copley titulado Alive in Joburg. Un corto que llamó tanto la atención que Peter Jackson le produciría el debut en la gran pantalla al joven director sudafricano.
En 2009 nos llegó la película que trasladaría los conceptos e ideas que ya el corto trataba: Distrito 9. Película producida por Peter Jackson y protagonizada por Copley que fue un éxito de taquilla recaudando 211 millones de dólares a nivel mundial costando 30 de hacer más otros 33 en publicidad y que en crítica gustó tanto a la crítica especializada como a la audiencia.
BABADOOK de Jennifer Kent:
Otra de las películas más recientes de éste listado. En 2014 surgió una sorpresa dentro del cine de terror donde las críticas de la prensa especializada y de las audiencias (aunque estos últimos más moderados) argumentaban que era una de las mejores películas de terror de los últimos años. Pero muy pocos saben que en realidad su directora, Jennifer Kent, ya escribió y dirigió un corto titulado Monster que luego se extendería en The Babadook.
La película no fue un exitazo de taquilla pero en cuanto a críticas la valoraban positivamente por saber contar una historia de miedo sin tener que recurrir al gore o a los jump scare. Sin embargo mientras que por lo general gustó al público, muchos la consideran como sobrevalorada y decepción. William Friedkin, director de El Exorcista, declaró que The Babadook está a la altura de Alien o Psicosis. Vosotros juzgaréis.
JUERGA HASTA EL FIN de Seth Rogen y Evan Goldberg:
El debut en la dirección tanto de Evan Goldberg como Seth Rogen fue un "éxito" teniendo en cuenta que costando 32 millones de dólares de hacer más otros 30 en publicidad consiguió recaudar 126 millones de dólares a nivel mundial (sin contar las ventas en mercado doméstico y destacando que se estrenó el mismo fin de semana que lo hizo El Hombre de Acero en EE.UU.) y en cuestión de críticas fue muy bien recibida. Destacar que contó con un repartazo con nombres como el propio Seth Rogen, James Franco, Jonah Hill, Danny McBride, Jay Baruchel entre otros más haciendo de sí mismos.
Pero lo que no mucha gente sabe es que en realidad ya se realizó un corto en 2007 dirigido por Jason Stone y escrito entre el propio Stqne y Evan Goldberg. El corto estaba protagonizado por Seth Rogen y Jay Baruchel que prácticamente nos contaba casi lo mismo que pudimos ver en la película.
SAW de James Wan:
Y Wan vuelve a aparecer en la lista. Y tiene sentido porque la película que lo sacó del anonimato precisamente también fue un corto: SAW. ¿Qué cinéfilo o conocedor del cine de terror no ha oído hablar alguna vez de esta franquicia? Pues precisamente Wan junto a su inseparable amigo Leigh Whannell llevaron acabo en 2003 este corto de unos 9 minutos de una escena que precisamente luego se vería en la película.
El corto llamó tanto la atención que Lionsgate les dio entre 700.000 y 1,2 millones de dólares para rodar lo que a priori iba a ser un producto directo al mercado doméstico. Pero la película gustó tanto en el festival de Sundance de 2004 que decidieron invertir casi 20 millones de dólares en publicidad para estrenarla consiguiendo recaudar unos 104 millones a nivel mundial. La crítica fue mixta, pero sería el génesis de una de las sagas más rentables, lóngevas y conocidas de la historia.
WHIPLASH de Damien Chazelle:
Basada en varias experiencias parecidas vividas por su joven guionista y director, Whiplash de Damien Chazelle se convirtió en uno de los guiones de la Black List (una lista que reune los mejores guiones que no han sido producidos) y que recibió ayuda de Right of Way Films (de Jason Reitman) y Blumhouse (de Jason Blum) para que se pudiera hacer un corto de 18 minutos. El corto, protagonizado por Johnny Simmons y J.K. Simmons realizado en 2013, gustó tanto que finalmente se decidieron a darle un presupuesto para poder llevarse a cabo la película con un presupuesto de no más de 4 millones de dólares.
Con Milles Teller en lugar de Johnny Simmons, la película se estrenó en 2014 recibiendo críticas magníficas en todas partes. La película recaudó casi 50 millones de dólares a nivel mundial y fue ganadora de 3 Oscars en la gala nº 87 (J.K. Simmons al mejor actor secundario, mejor montaje y mejor mezcla de sonido) siendo también nominada a mejor guion adaptado y mejor película (que acabaría ganando Birdman).
OCULUS de Mike Flanagan:
Mike Flanagan se ha convertido en una de las promesas para el cine de terror que nos viene en un futuro. Todo gracias a Oculus. Una película que antes fue el corto Oculus: Chapter 3 – The Man with the Plan que se realizó en 2005 consiguiendo ser un éxito de críticas con muchas ofertas para llevarlo al formato de largometraje y aunque muchos le ofrecieron hacerla en forma de found footage, Flanagan se negó rotundamente.
La película se estrenó en 2014 consiguiendo recaudar 44 millones costando 5 de rodar y otros 20 en publicidad. Producida también por Jason Blum, la película cosechó buenas críticas siendo considerada como una de las películas de terror más curiosas de los últimos años.
POSESIÓN INFERNAL (THE EVIL DEAD) de Sam Raimi:
Posesión Infernal sabemos que es uno de los clásicos de terror y de culto por antonomasia. Pero no todos llegaron a saber que en realidad un por aquel entonces joven Sam Raimi realizó un metraje de unos 32 minutos que posteriormente se conocería como "la precuela de Posesión Infernal" que también tendría a Bruce Campbell como protagonista y con escasos medios: Within the Woods.
Posteriormente se realizaría y estrenaría la ya mencionada Posesión Infernal en 1981 con un poquito más de presupuesto que Within the Woods. La película fue controversial en su época y ha sido muy censurada, aun así consiguió buenas críticas (mucho ayudó la crítica positiva de Stephen King) y consiguió recaudar en taquilla poco menos de 3 millones de dólares no costando más de 500.000 dólares.
-Reparto:
Charlie Cox
Elden Helson
Deborah Ann Woll
Jon Bernthal
Elodie Yung
Scott Glenn
Royce Johnson
Stephen Rider
Geoffrey Cantor
Rosario Dawson
Vincent D’Onofrio
Carrie-Anne Moss
-Creada por Drew Goddard. -Showrunner: Marco Ramírez y Doug Petrie. -Producida por Alan Fine, Drew Goddard, Marco Ramirez, Doug Petrie, Jeph Loeb, Joe Quesada y Stan Lee.
-Música compuesta por John Paesano. -Productora: Marvel Televisión y ABC Studios. -Distribuida por Netflix.
-Sinopsis: Justo cuando Matt cree que por fin trajo orden a la ciudad, nuevas fuerzas amenazan la Cocina del Infierno. Ahora, el Hombre Sin Miedo debe enfrentar un nuevo enemigo, Frank Castle y encarar a un viejo amor, Elektra Natchios.Problemas más grandes surgen cuando Frank Castle, un hombre que busca venganza, renace como Punisher, alguien que toma la justicia por su mano en el vecindario de Matt. Mientras tanto, Murdock necesita encontrar un balance entre su deber a la comunidad como abogado o su peligrosa vida como el Diablo de la Cocina del Infierno, ante fuerzas que lo obligaran a entender el significado de ser un héroe.
En esta ocasión Drew Goddard y Steven S. DeKnight le dan el testigo a Marco Ramirez y Douglas Petrie para escribir la segunda temporada de Daredevil. En esta ocasión nos introducen al personaje de Punisher, dándole el protagonismo justo sin quitárselo a Daredevil, aunque tiene mucho peso en la trama y contando su origen en forma de recuerdos en sus diálogos, cosa que es de agradecer. Cómo al igual pasa con Elektra, que la introducen de una manera muy natural, que no se nota la diferencia, y en esta ocasión nos van explicando poco a poco como se conocieron los dos y por qué tienen esa complicidad y odio, dándole de esta manera su origen, además de mostrar un poco su niñez y como aprendió a luchar, sin hacer falta mostrar los inicios de los dos. Charlie Cox como Matt Murdock/Daredevil es impresionante su actuación, lo borda haciendo las dos personalidades y ahora con más carisma y expresividad, no veo a otro actor haciendo de este personaje que no sea él. Elden Henson como Foggy Nelson en su línea, en esta ocasión ya no es tan graciosete y ha creado un personaje más maduro. Deborah Ann Woll como Karen Page, esta vez cuenta con bastante protagonismo e incluso carga bien con el peso y sigue estando guapísima. Rosario Dawson como Claire Temple vuelve a tener poco protagonismo, pero cumple muy bien, además de deleitarnos con su belleza. Jon Bernthal como Frank Castle/Punisher lo borda, es impresionante el carisma que transmite y lo imponente que llega a ser, te deja con ganas de más. Elodie Yung como Elektra Natchios, está muy provocativa y sexy además hace muy bien su papel ya que no es nada fácil su personaje. Luego tenemos a otros actores secundarios que están geniales y tienen peso en la trama principal como, Royce Johnson como Sgt. Brett Mahoney, Stephen Rider como Blake Tower y Geoffrey Cantor como Mitchell Ellison. Además, cuenta con las grandes aportaciones de Peter Shinkoda como Nobu y Scott Glenn como Stick que están geniales y las pequeñas aportaciones de Vincent D¨Onofrio como Wilson Fisk/Kinping y Carrie-Anne Moss como Jeri Hogarth (ya conocida en Jessica Jones).
En esta ocasión el gran peso recae en Marco Ramirez y Douglas Petrie, no están a la altura de Drew Goddard en lo que a guion se refiere, pero igualmente han hecho un gran trabajo, dejándonos perlitas como ¨Estas a un mal día de ser como yo¨ o ¨Tú les pegas y ellos vuelven, yo les pego y ahí se queda¨. De nuevo cuenta con muy buen montaje y con una historia muy bien enlazada para tener tres tramas muy diferentes, y como ya paso en la primera temporada a veces las tramas secundarias se hacen principales por su grado de protagonismo, transmitiendo momentos muy violentos, sanguinarios y reales superando con creces en todos estos aspectos a la primera, cosa que es de agradecer. En contra, una pena que ya no estuviera Ben Urich ya que hizo una gran labor en la primera temporada, y en este caso, han echado mano para hacer lo que él hacía con Karen Page. Los efectos son muy buenos, el montaje impecable, las actuaciones impresionantes, la fotografía y escenarios magníficos y la música acompaña genial nuevamente.
En esta temporada, se meten más de lleno en la organización de ninjas místicos y asesinos en crímenes organizados, La Mano. Mostrando pequeña parte del poder que tienen y el propósito que tienen con el fin de ser inmortales y crear el arma definitiva. También se menciona por encima la organización de asesinos, La Casta.
Por como acaba la temporada posiblemente tengamos una tercera temporada, y deseando saber sobre ella, y esperemos que en esta ocasión tengamos la suerte de ver a Bullseye. Además, posiblemente Punisher tanga pronto su serie propia. Ahora toca esperar a Luke Cage, y esperemos que cumpla y sea mínimamente igual de buenas que Daredevil y Jessica Jones.
Una de las películas más anticipadas no solo de este año sino de la historia de los blockbusters era la aparición de Batman y Superman en una misma película en este caso "enfrentándose" en la secuela de El Hombre de Acero de 2013, Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia. ¿Y cómo no iba a crear expectativas y anticipación? Con ese título la película se puede vender sola en todos los mercados y desde luego este enfrentamiento prometía.
El Hombre de Acero fue dirigida por el "visionario" Zack Snyder que por entonces su anterior película fue la hecatombe llamada Sucker Punch (que nuestro colaborador Barbudez ya comentó en Cine de Visionario). El resultado fue mixto en todos los sentidos. La taquilla fue buena pero no tanto como esperaban (668 millones) y la crítica tanto especializada como de la audiencia o fans fue super dividida entre quienes la consideraban una gran película mientras que otros la consideraban un desastre que poco se parecía al Superman de los cómics.
Recién estrenada, es noticia entre los cinéfilos como la película ha llegado a causar una tremenda división incluso superior a la de El Hombre de Acero estando quienes la consideran decepcionante por debajo de las expectativas y quienes la consideran una de las mejores pelis de superhéroes de la historia. Con estos antecedentes nos llega la tan esperada BvS. Como ya he comentado alguna vez no soy lector de cómics por lo que no puedo valorarla como adaptación pero sí lo haré como película. Y ante estos bandos y para ya orientaros sobre qué me pareció, ya os digo que me sitúo en el bando del medio (al igual que hice en El Hombre de Acero) que si bien no hace tanto ruido como los otros dos, está igual de presente.
Vayamos por partes. Los actores están bien. Ben Affleck como Wayne/Batman (aun recuerdo las tremendas críticas que se llevó esta elección) cumple con las expectativas y básicamente me pareció lo mejor de la película (tremendos de los trajes del murciélago). Un Batman distinto por tono y orientación del personaje que no habíamos visto antes. Henry Cavill sigue en la misma línea de la anterior película. Eisenberg como Luthor me pareció correctillo con sus buenos momentos pero que por lo general está demasiado "Joker" por decirlo de alguna manera. Gal Gadot si bien no sale tanto como querríamos, sorprende y personalmente me dejó con ganas de más además de que el traje y la caracterización le queda de lujo. El resto de este tremendo reparto en cuanto a nombres pues no están mal.
El guion es uno de los problemas de la película y es que nos quieren contar varias películas en una y es un problema porque la película resulta estar sobrecargada de información. Muchas subtramas, muchos personajes, muchos dilemas, mucho que nos quieren contar que si para colmo ya es mucho pues no hacen más que anticipar la Justice League para rematar. El conjunto resulta tener un guion sobrecargado de información y cosas siempre pasando pero que en realidad todo es para anticipar una película (repito, Justice League) cuando esta propia ya lo era. Aun así le reconozco que se me hizo entretenida a pesar de sobrarle escenas como las pesadillas de Wayne que no añaden nada que no supiéramos ya, las escenas de acción están muy bien y el tercer acto resulta muy apabullante (salí del cine con dolor de cabeza). Al haber un sobre exceso de personajes y de que todos tienen que hacer algo en pantalla pues algunos personajes y subtramas como que me sobran.
La dirección de Snyder visualmente es tremenda pero por lo demás es un poco liosa, los efectos especiales están muy bien, la fotografía mejora y mucho a El Hombre de Acero, la música está muy en la línea de Zimmer y de la anterior película (BSO que me encantó) pero que si bien recicla aquí no trae nada destacable, los vestuarios son excelentes y el montaje me pareció algo desastroso.
Batman v Superman es una pena. Una pena porque lo tenían todo y el resultado si bien no me pareció desastroso total como algunos la tildan si que me pareció decepcionante porque que una peli con semejante título que rebosa epicidad no me diera ningún solo momento de emoción y epicidad no se lo puedo perdonar (ni siquiera la pelea entre ambos me lo pareció). Quizás esto se debe a una campaña de publicidad que iba haciéndolo bien hasta que en un trailer nos tuvieron que mostrar todo quitándole emoción a la cosa. Warner y DC tienen muchas cosas que hacer y que aprender para su universo cinematográfico. El Hombre de Acero fue el primer aviso y BvS (tristemente) es el segundo aviso ¿la tercera será la vencida para satisfacer a todo el mundo? Veremos.
Crítica deCinéfilo:
Han pasado muchos años desde que nos llegara una de las películas que puso de moda en los últimos años el género del found footage: Cloverfield (en España vendida como Monstruoso), una película cuya campaña de marketing fue prodigiosa logrando grandes resultados tanto en taquilla como en crítica. Personalmente me pareció un found footage con muchos pros y algunas contras pero que por lo general se hace entretenida, está bastante conseguida en lo que quisieron hacer y un ejemplo de saber vender bien la moto. Mucho se hablaba de una secuela a lo largo de los años, una secuela que no llegaba...
Hasta que de repente en enero salió a la luz el trailer de una película con el nombre Cloverfield en el título, una película que, según J.J. Abrams, es una sucesora espiritual de aquel found footage de 2008. A mí, como seguro que a la mayoría, no me esperaba que ibamos a tener algo relacionado a Cloverfield, aunque uno viendo el trailer podía ver que no iba a ser lo mismo, pero hechos como que actores como John Goodman o Mary Elizabeth Winstead que volvía al género (no puedo ser objetivo con ella ya que es una de mis actrices favoritas) o que el director y guionista de Whiplash (una peli que instantáneamente se convirtió en una de mis favoritas) Damien Chazelle co-escribía este guión pues eran un extra para esperarla con ganas. Y el resultado ha sido mucho más que satisfactorio.
Las actuaciones son de lo mejor de la película. Solo son 3 actores principales con un Goodman y Winstead bastante notables y un Gallagher que si no está al mismo nivel si que cumple. Esta es una película de actores donde las actuaciones destacan y de haber fallado en este apartado, al película hubiera sufrido mucho para poder ser tan buena como finalmente es.
El guion es bastante bueno. Cuenta una historia que, quitando elementos sobrenaturales que rompe un poco la sorpresa al llevar el nombre Cloverfield en el título, perfectamente puede ser factible lo cual hace que tenga un plus de realismo añadido a la hora de poder dar tensión a lo largo de la película. Hablando de tensión, la película juega mucho tanto con las escenas como con la narración el dar provocar momentos de tensión, no es toda la película pero cuando funciona lo hace muy bien. Además la historia juega contigo, con muchos matices y dualidades que hacen dudar tanto al personaje de Winstead como al espectador. Hay que avisar que de los 100 minutos que dura, los primeros 85-90 minutos no tienen casi nada que ver con Cloverfield así que si esperabais eso ya os digo que no lo hagáis para que no acabéis decepcionados y también decir que si bien estos primeros 85 minutos son un thriller psicológico, los 15 últimos rompe un poco con lo que íbamos viendo por lo que el contraste puede rechinar un poco.
La dirección del debutante Dan Trachtenberg la verdad es que es notable sobretodo para ser una ópera prima narrando todo muy bien (en esto destaco los primeros 5 minutos donde nos cuenta cosas sobre la protagonista sin apenas diálogo), la música está muy presente, la fotografía es buena, el montaje es más que correcto y los efectos especiales pues no están mal teniendo en cuenta su presupuesto.
Calle Cloverfield 10 no me ha decepcionado. De hecho me dejo más que satisfecho. Las actuaciones son de calidad, el guion funciona al igual que la tensión y el misterio, la dirección es muy solvente y es una película que sin haber visto Cloverfield se puede ver perfectamente como un más que buen thriller psicológico, aunque los 10 últimos minutos para quien no haya visto Cloverfield le puede trastocar un poco el conjunto.
El hecho de debutar en la dirección en un largometraje es tanto un sueño como algo de mucha dificultad. Cuando se trata de actores conocidos quienes se quieren poner detrás de las cámaras existen varias opciones como que el hecho de ser actor te da algo de ventaja, que incluso puedas ser mejor dirigiendo que actuando o incluso un poco de las dos cosas ya que si uno no es tomado con un buen actor siempre puede reciclarse en la dirección (que se lo digan a Ben Affleck). En este caso Joel Edgerton es quien se encarga de dirigir, escribir, co-producir y actuar con El Regalo, que nos llega a España con varios meses de retraso tras haberse estrenado en EE.UU. en agosto del pasado año.
La verdad es que cuanto a actores ha sabido relacionarse medianamente bien para ser su debut en la dirección con actores como Jason Bateman que demuestra aquí ser un actor con mucha versatilidad a la hroa de trabajar en distintos géneros y aquí lo hace muy bien, Rebecca Hall que una vez más demuestra lo solvente que resutla esta actriz y el propio Edgerton que se encarga de interpretar la parte misteriosa del filme con buenos resultados. El resto del reparto no destaca tanto como su trio protagonista.
El guion también funciona. Es verdad que la película (como por ejemplo Perdida) tiene un argumento que puede ser el típico telefilm de fin de semana por la tarde para echarse una buena siesta o que la historia en sí y su desenlace (que puede recuerdar a cierto thriller español cuyo nombre no diré para no spoilear) no son muy originales que digamos pero aun así la película lo compensa con buenas escenas de mal rollo/tensión (que si bien no son muchas están pues bien realizadas), un por qué de las cosas bastante entendible, una trama que engancha a cuanto más avanza y que además es sumamente entretenida. Quizás le cuesta arrancar un poco pero no es nada del otro mundo.
La dirección de Edgerton es buena, sabe lo que quiere y cómo y son este tipo de cosas las que diferencian un telefilme barato de una película con calidad aceptable. La fotografía cumple sin más, el montaje no está mal y la música tampoco es que destaque.
El Regalo es un thriller más que pasable. Si bien no marcará en el género del thriller/suspense como otros thrillers que si que lo hicieron, si que es un más que solvente debut del australiano Joel Edgerton que si bien como actor ya me caía simpático ahora procuraré seguirle la pista cuando dirija más.
El término infravalorado, cuando se habla de cine, de películas, siempre ha estado sujeto a diferentes interpretaciones. Aquí, se ha considerado en su sentido más amplio a la hora de elaborar el listado que se presenta a continuación, y que recopila una serie de relativamente recientes films de género (terror, ciencia-ficción y fantástico), un cine especialmente propenso a la producción de películas que, por uno u otro motivo, no consiguen la atención que por su calidad o interés merecen, ya sea por parte del público o de la crítica. Por supuesto que muchas que igualmente merecerían ser reseñadas aquí, se han quedado fuera, pero el componente subjetivo a la hora de elaborar un reportaje de estas características es inevitable. Esperemos que disfrutéis (y de paso, descubráis alguna “joya oculta” que no conocíais) de la siguiente selección.
Dentro de mis Sueños (In Dreams, 1999, USA. Neil Jordan):
El irlandés Neil Jordan, tras ofrecer su particular visión de dos de los icónos más representativos del género de terror (el del licántropo en “En Compañía de Lobos” y el del vampiro en “Entrevista con el Vampiro”) se atrevió con la figura del psychokiller con esta, a priori, prometedora producción. Por desgracia, tras un par de desastrosos “test-screenings”, los ejecutivos de la recién fundada Dreamworks se asustaron y decidieron modificar la versión entregada por Jordan, pasando sobre sus fotogramas cual caballo de Atila.
El producto estrenado resultó ser un film no carente de interés pero que dejaba la sensación de proyecto “mutilado” por el estudio, de obra incompleta. A pesar de todo ello, y de sus dramáticos resultados en taquilla, este “In Dreams” de Jordan, con su estructura de terrorífico cuento infantil, esta siendo durante los últimos años objeto de una cierta reivindicación. Vista hoy en día, no se entiende la virulencia con la que crítica y público la trató en su momento, pues se trata de un más que correcto thriller de terror y suspense, con ecos del Roeg de “Amenaza en la Sombra”, que destaca por su potente atmósfera onírica, su intenso acto final y, sobre todo, una magnífica Anette Bening encabezando el reparto (bien secundada por Aidan Quinn y un sorprendente Robert Downey Jr).
Treinta Minutos para Morir (Timebomb, 1991, USA. Avi Nesher):
Ejemplo perfecto de película fantasma, estrenada fugazmente en todo el mundo y hoy prácticamente olvidada, este “Timebomb” de 1991 es un muy disfrutable thriller de ciencia-ficción de bajo presupuesto (apenas 6 millones de dólares) que merece ser recuperado con urgencia.
La película cuenta la historia de un relojero, impecable Michael Biehn (uno de los actores más infrautilizados de las últimas décadas), que se ve envuelto en una conspiración de alto nivel tras aparecer breve y casualmente por televisión. A partir de esta premisa, el israelí Avi Nesher construye un thriller de ritmo frenético y tono “conspiranoico” setentero (con referencias muy claras a “El Mensajero del Miedo” de Frankenheimer), elementos de ciencia-ficción reminiscentes de Phillip K. Dick, y numerosas escenas de acción, algunas de ellas realmente creativas (destaca un violentísimo tiroteo en nada menos que un cine porno). Como curiosidad, decir que Nesher, antes de convertirse en cineasta, trabajó para el servicio secreto israelí, y parte de sus vivencias le sirvieron como inspiración a la hora de elaborar el guión. En resumen, una película muy desconocida, incluso para muchos aficionados al género, pero tremendamente recomendable.
Livide (2011, Francia. Alexandre Bustillo y Julián Maury):
El dúo galo Bustillo/Maury irrumpió de forma espectacular en 2007 dentro del panorama del cine fantástico con la salvaje “A l’interieur”, quizá el más destacable ejemplo de la llamada “new wave” de terror francés. Consecuentemente, “Livide”, su segundo trabajo (aún pendiente de estreno en España), sufrió las consecuencias de haber generado unas expectativas demasiado elevadas, topándose injustamente con la indiferencia tanto del público como de la crítica.
Quizá los aficionados, esperando otro baño de sangre y brutalidad como lo fue la ópera prima del tándem de cineastas, torció el gesto ante este cuento gótico que narra una historia realmente simple: una adolescente que acaba de comenzar a trabajar cuidando de una anciana en estado de coma cerebral, decide adentrarse una noche junto a su novio y otro amigo en la mansión en que habita la paciente en busca del tesoro que, según la rumorología local, aguarda allí escondido. “Livide” es un film, como se puede intuir, de una simpleza argumental evidente pero de apabullante belleza plástica. Estilizada hasta el exceso en su planificación visual y con un extraordinario trabajo de dirección artística (premiado en Sitges), la película puede considerarse como una auténtica pesadilla plasmada en imágenes, incluyendo referencias formales y temáticas al cine de terror italiano más esotérico, flashbacks de estética expresionista, y una recta final abiertamente violenta y gore, todo ello conducido con un ritmo medidamente pausado que ayuda a crear una atmósfera opresiva. Lástima que cogiera a contrapié a la mayoría, pues se trata de una pieza de género realmente estimulante.
Ricochet(1991, USA. Russell Mulcahy):
El australiano Russell Mulcahy (principalmente recordado por “Los Inmortales”), consiguió su mejor trabajo con este adrenalítico thriller de acción producido por Joel Silver, que fracasó injustamente en taquilla. “Ricochet” es probablemente la única película en que la exuberante, manierista gramática visual del cineasta de las antípodas (recordémos su pasado “clipper”) se complementa con una sintaxis (esto es, un guión) propicia a sus características. Sí, la película está plagada de vertiginosos travellings, grúas que describen rebuscadas elipsis, picados y contrapicados pronunciadísimos y demás filigranas visuales propias del director pero, por una vez, encuentran justificación en una historia (al acoso de un criminal fugado de la cárcel hacia el hombre responsable de su encarcelación) que abusa de continuas sorpresas y de rocambolescos (por poco creíbles) giros argumentales, consiguiéndose una evidente armonía entre fondo y forma.
Técnicamente no puede hablarse de cine de género aquí, pero no hay duda de que “Ricochet” es un film manifiestamente fantástico, ya desde lo extraordinarios créditos iniciales a ritmo del crispante “score” de Alan Silvestri, continuando con una atmósfera pesadillesca y un villano de habilidades sobrehumanas (extraordinario John Lithgow) y terminando con un puñado de violentísimas y electrizantes secuencias de acción (destacando el explosivo motín carcelario, con los presos utilizando radiales y taladros contra los guardias). En resumen, estamos ante una película para disfrutar más con las vísceras que con el cerebro y que, además, supuso uno de los primeros papeles protagonistas para Denzel Washington. Probablemente, demasiado cañera y desprejuiciada para el público de la época, pero absolutamente disfrutable.
Titan A.E. (2000, USA. Don Bluth):
El animador Don Bluth (un grano en el culo de la Disney durante la década de los 80) quiso recuperar su alicaída carrera recién estrenado milenio con esta espectacular “space opera” animada de resultados algo irregulares pero ciertamente satisfactorios.
La tierra ha sido destruida y los pocos terrícolas que quedan malviven como pueden aceptando penosos trabajos por la galaxia. Uno de estos supervivientes, el adolescente Cale, descubrirá que puede ser el elegido para liderar a los humanos en su lucha contra los temibles Drej, una especie alienígena que quiere erradicar cualquier rastro de la raza humana. Suena a tópico, ¿verdad? Pero lo cierto es que el film hace gala de un virtuosismo técnico fuera de lo común gracias a su acertada combinación de fondos y efectos digitales con animación tradicional, un magnífico diseño de personajes, excelente ritmo, y un puñado de vibrantes escenas de acción que tienen lugar en imaginativos escenarios (destaca la trepidante persecución entre los globos de hidrógeno). La crítica pareció torcer el gesto ante lo que consideró un mero trasunto animado de la saga Star Wars, y el público infantil no asimiló bien ciertas influencias del anime japonés y un tono ocasionalmente violento, condenando a un inmerecido fracaso a esta brillante odisea espacial.
Elysium (2013, USA. Neil Blomkamp):
Producción de gran aparato (superó los 100 millones de dólares de presupuesto) que sufrió el recurrente síndrome de ser “la película después de ...”, en este caso, “Distrito 9”, uno de los films de ciencia-ficción más rompedores de los últimos 20 años, “Elysium” fue recibida con notoria frialdad por crítica y público, incapaces de obviar el referente de la extraordinaria ópera prima del sudafricano Neil Blomkamp.
Su segunda película posee sin duda un tono más convencional que su precedente, pero conserva muchos de sus aciertos: un acertado trasfondo de crítica social combinado con un sólido ritmo narrativo y media docena de escenas de acción excelentemente visualizadas, un áspero tratamiento de la violencia que recuerda al mejor Verhoeven, un acertado reparto encabezado por Matt Damon, una sorprendente Jodie Foster y un Sharlto Copley pasándoselo en grande, y una evidente perfección técnica. En resumen, un blockbuster de ciencia-ficción muy, muy por encima de la media que no recibió la atención que merecía, especialmente por parte de los aficionados al género.
Doomsday(2008, UK/USA. Neil Marshall):
Tras convertirse en la gran esperanza del cine de género europeo con la rotunda “The Descent”, el británico Neil Marshall consiguió los 30 millones de dólares requeridos para rodar su proyecto soñado como director: una actualización de los films de corte apocalíptico-futurista que durante los años 80 se convirtieron en un sub-género en sí mismos.
Marshall no defraudó y entrego un film trepidante, referencial (homenajeando principalmente a Miller y Carpenter), violentísimo y con una acción tan continúa que casi resulta excesiva. Sin embargo, la película fue ignorada (aunque no masacrada) por la crítica y pasó absolutamente desapercibida para el público. Quizá la gente aún no estaba preparada para un retorno a este tipo de cine (aunque el arrollador y reciente éxito de la cuarta entrega de Mad Max parece confirmar que había publico potencial), quizá las estrategias de promoción no fueron las idóneas, o quizá es que para realizar un homenaje a tus películas favoritas y a la vez ganar dinero hay que llamarse Quentin Tarantino, pero lo cierto es que este “Doomsday”, que además de lo ya reseñado cuenta con una excelente dirección artística (que mezcla elementos futuristas, neo-punk y medievales) y con una acertada interpretación de Rhona Mitra como protagonista, resultó un fracaso tan evidente como inmerecido.
Mujer Blanca Soltera Busca...(Single White Female... ,1992, USA. Barbet Schroeder):
La primera mitad de los 90 fue la época dorada de los “thriller con psicópata”, alcanzando gran popularidad títulos como “El Cabo del Miedo” o “La Mano que Mece la Cuna”. Estrenada el mismo año que la mencionada y exitosa película de Hanson sobre una niñera psicópata, y con ciertas coincidencias temáticas, compitió con ella en taquilla “Mujer Blanca Soltera Busca …” pasando bastante más desapercibida a pesar de tratarse de un título menos convencional e infinitamente más sugestivo.
Allison Jones, una joven y exitosa ejecutiva de Nueva York (Una Bridget Fonda muy metida en el papel), deprimida tras romper con su pareja, pone un anuncio en la prensa buscando alguien con quien compartir piso. Aparecerá entonces en su vida Hedra Carlson (la ahora de nuevo en alza Jennifer Jason Leigh, aportando una remarcable intensidad a su personaje), quien, tras presentarse como la compañera ideal, irá revelando poco a poco su posesiva y psicopática personalidad. Sobre esta premisa, el francés Barbet Schroeder vehicula ciertas temáticas más propias del cine indie (el miedo a la soledad, la terrible necesidad de dependencia sobre los demás) en un estilizado thriller de suspense con unos personajes, llenos de claroscuros, excelentemente definidos. Con una sólida puesta escena (incluyendo una de las elipsis más elegantes que se recuerdan en el género), una magnífica fotografía de tonos apagados que enfatiza la fragilidad emocional de las protagonistas, un duelo interpretativo de altura entre Leigh y Fonda, y una violentísimo tercio final (incluida una escena al borde la calificación X), estamos ante una película a reivindicar y bastante más olvidada de lo que merece.
El Último Gran Héroe(Last Action Hero,1993, USA. John McTiernan):
El tándem Schwarzenneger/McTiernan, que tan buenos resultados había dado con la excelente “Depredador”, se pegó el castañazo en el verano del 93 con esta sofisticada fantasía que se propuso parodiar/homenajear al género de acción (fundamentalmente “ochentero”) desde una perspectiva autoconsciente y metacinematográfica.
Arnold interpreta a Jack Slater, un famoso personaje de películas de acción que, gracias a una entrada de cine mágica adquirida por un adolescente fanático del género, consigue traspasar la pantalla y materializarse en el mundo real. La película funciona gracias a un ingenioso guión plagado de referencias y que juega habilidosamente con el concepto de cine dentro del cine, a un Arnold superior que ofrece una interpretación absolutamente autoirónica, y a unas secuencias de acción realmente espectaculares pero, lamentablemente, a la crítica no pareció convencerle algo que posiblemente no esperaban, y el público, que se decantó por los dinosaurios de “Jurassic Park” y las montañas de “Máximo Riesgo” (justo el tipo de película del que el film de McTiernan se mofaba), no pareció asimilar el grado de complejidad conceptual que ofrecía la original propuesta. Curiosamente, Wes Craven intentó lo mismo tres años después con el “slasher” en “Scream”, y la aceptación fue espectacular, lo que refuerza la opinión de que este “The Last Action Hero” fue una película algo adelantada a su tiempo.
El Arte de Matar (El Síndrome de Stendhal)(La Sindrome di Stendhal, 1996, Italia. Dario Argento):
Los que acusan a Argento de no haber realizado ninguna película destacable pasada la década de los 80, deberían revisar este olvidado título rodado después de su desastrosa experiencia en USA con “Trauma”.
La primera mitad de “El Síndrome de Stendahl” hace gala de una brutalidad que corta la respiración. La película cuenta con una premisa realmente original: Un asesino en serie (imponente Thomas Kretchsmann) se dedica a torturar física y psicológicamente a la policía que le persigue (una voluntariosa Asia Argento) aprovechando que ésta sufre el famoso síndrome del título. Hay varias cosas a destacar: una fascinante e hipnótica escena de apertura que Argento consiguió rodar en los Uffizi de Florencia, varias secuencias de asesinatos y violaciones que producen una incomodidad casi insoportable en el espectador, y la inclusión uno de los asesinos más intimidantes y terroríficos que se recuerdan. Aunque a la película se le pueden apuntar ciertas deficiencias (una segunda parte que no mantiene el nivel, algunos risibles efectos digitales ….), supone otra muestra del talento y la creatividad del maestro italiano, pero es quizá una de sus películas menos conocida, debido a que se incluye cronológicamente dentro de su etapa menos afortunada.
El Vigilante Nocturno (Nattewagten, 1994, Dinamarca. Ole Bornedal):
Excepcional y bastante desconocido thriller nórdico con elementos de terror, de atmósfera asfixiante y escenario especialmente macabro y claustrofóbico (nada menos que una morgue).
La historia no resulta demasiado novedosa (un joven comienza a trabajar como vigilante del depósito de cadáveres a la vez que una oleada de terribles asesinatos comienza a asolar la ciudad), pero Bornedal demuestra una más que evidente capacidad para crear una atmósfera amenazadora con mínimos elementos, y una habilidad a la hora de dilatar el suspense que recuerda al mejor De Palma (escalofriante la secuencia del asesinato de la prostituta). El guión, aunque funcional, desvela su giro principal en el momento adecuado y añade algunos toques de humor que funcionan sorprendentemente bien como contrapunto al oscurísimo tono general de la propuesta. A destacar también el buen trabajo del reparto, en especial de un jovencísimo y entonces desconocido Nikolaj Coster-Waldau (famoso por ser el Jaime Lannister de “Juego de Tronos”). En resumen, a pesar de su modestia, una auténtica joya a descubrir para aquellos que no la conozcan.
Triangle (2009, UK/Australia. Christopher Smith):
Sin duda el caso más flagrante de distribución “negligente” de los últimos años lo sufrió esta sorprendente coproducción británico-australiana que tan sólo en Reino Unido disfrutó de un estreno normalizado.
Sin desvelar ningún detalle sobre la trama (es mejor para los muchos que aún no la han visto), sólo decir que esta especie de versión “hard” de “Los Cronocrímenes” con elementos de thriller, terror y ciencia-ficción, constituye una de las propuestas de género más complejas, inteligentes y provocadoras de las últimas dos décadas. Película intensa y visualmente estilizada, dirigida con un excepcional pulso narrativo por el inglés Christopher Smith y con una Melissa George en estado de gracia liderando el reparto, destaca, sobre todo, por la sensación de creciente inquietud e imprevisibilidad que despierta en el espectador durante todo el metraje. Por si fuera poco, el giro final obliga a replantearse todo lo visto con anterioridad dotando a la historia de una complejidad y un componente emocional muy poco habituales en el género. Quién aún no la haya visto, ya está perdiendo el tiempo en buscarla. Lamentablemente, sigue sin estrenarse en España.
Silencio desde el Mal (Dead Silence, 2007, USA. James Wan):
Tras el impacto mundial de su ópera prima, “Saw”, el australiano James Wan dio el salto a los grandes estudios con este cuento de terror sobrenatural de regusto clásico que fue incomprensiblemente vapuleado por la crítica e ignorado por el público.
Cierto que el guión es algo derivativo y el reparto mejorable, pero “Silencio desde el Mal”, gracias al trabajo de Wan tras la cámara, se eleva muy por encima de lo habitual en el género debido a una sofisticación visual que rinde homenaje a la Hammer, a un absoluto dominio técnico en la planificación de las escenas de terror y suspense, y a la inclusión de un (otro) sorprendente giro final que vuelve a romper los esquemas al espectador. El film cuenta también entre sus alicientes con una excelente fotografía de tonos saturados que recuerda no casualmente a la del clásico de Argento “Suspiria”, y con un exquisito diseño de producción que recrea a la perfección el pueblo fantasma en que se desarrolla la acción, además de con un par de escenas de una perfección formal intachable (el prólogo y el flashback en el teatro). Curiosamente, Wan volvería a triunfar 3 años más tarde con “Insidious”, un título que jugaba con elementos similares a los de esta, incomprensiblemente incomprendida, “Dead Silence”.
Kalifornia (1993, USA. Dominic Sena):
Una de las más interesantes y originales vueltas de tuerca al sub-género de “psychokillers” que ha dado el cine reciente. Ópera prima del videoclipero Dominic Sena, y con un destacadísimo reparto (Brad Pitt, Juliette Lewis y David Duchovny), la película pasó totalmente desapercibida en el momento de su estreno, siendo sólo tímidamente reivindicada tras la conversión de Brad Pitt en una de las principales estrellas de Hollywood.
La trama gira en torno a una pareja, cool y moderna que, para preparar un libro sobre “serial killers”, se embarca en un viaje por carretera con el objeto de visitar lugares donde se han cometido famosos asesinatos en serie. Para compartir gastos, deciden poner un anuncio buscando a alguien que les acompañe, presentándose una pareja de “rednecks” cuyo comportamiento resultará progresivamente inquietante. Con un esteticista tratamiento visual que contrasta con los brutales y secos fogonazos de violencia que salpican la historia, una acertada reflexión (sin moralismos fáciles) sobre la fascinación del ciudadano medio por los aspectos más morbosos de la sociedad, y sobre todo, un trabajo actoral de primer orden, destacando un eficaz y desaliñado Brad Pitt y una explosiva Michelle Forbes (¿cómo es posible que no se haya aprovechado más a esta actriz?), esta “Kalifornia” (con “k” de “killer”) es un intenso y apasionante thriller que consigue algo tan complicado como activar la adrenalina y las neuronas del espectador al mismo tiempo.
The Faculty(1998, USA. Robert Rodríguez):
Quizá la película más redonda de Robert Rodriguez, “The Faculty”, sin embargo, no se encuentra ni entre sus trabajos más populares, ni entre los mejor valorados por la crítica, debido probablemente a que se estrenó en plena fiebre de la nueva ola de terror adolescente, siendo eclipsada por el éxito de las sagas “Scream” y “Sé lo que Hicisteis el Último Verano”.
“The Faculty” es una desprejuiciada y divertidísima actualización de los ultracuerpos de Finney (la trama gira en torno a un grupo de adolescentes que comienza a sospechar que los profesores de su instituto están siendo poseídos por alienígenas) pasada por el filtro del cine adolescente de John Hughes, todo ello con el ritmo festivo y el saltarín estilo visual del inquieto realizador mexicano, un reparto excelente (tanto adolescentes como profesores rayan a gran altura, destacando Elijah Wood, Josh Harnett y Robert Patrick), multitud de acertados homenajes a, entre otros, a Carpenter, Leone y De Palma, y una buena dosis de incorrección política (los adolescentes utilizan una droga casera para defenderse), culminando todo con un final sorprendentemente ambiguo y anticonvencional. En resumen, una fiesta para el aficionado que mereció mejor suerte.
Vampiros (John Carpenter´s Vampires, 1998, USA. John Carpenter):
El último gran acierto de Carpenter hasta el momento, es este western contemporáneo de vampiros estrenado tardíamente y que, aunque se defendió en taquilla, fue ninguneado por la crítica.
“Vampiros” supone el enésimo homenaje de Carpenter a Howard Hawks, con esta historia en la que un grupo salvaje de cazavampiros liderado por el carismático Jack Crow es contratado por el vaticano para limpiar de chupasangres una zona fronteriza. El film es muy disfrutable de principio a fin debido a varias razones: un muy buen ritmo narrativo, varios hallazgos visuales, numerosas y violentas secuencias de acción, una atmósfera sucia y polvorienta y un James Woods perfecto encarnando a Crow (otro alter-ego del director reflejado en la pantalla: un antihéroe anárquico en contra del sistema y las instituciones), un personaje sarcástico y con un amplio repertorio de “one-liners”, muy bien secundado, eso sí, por un imponente Thomas Ian Griffith como el líder de los vampiros, y una inquietante Sheryl Lee como víctima al borde de la transformación. Y ojo al incómodo final, en el que no todo se resuelve, muy en la línea del mítico desenlace de “La Cosa”. Incomprensiblemente, permanece como un título menor dentro de la filmografía del genial realizador.
El Territorio de la Bestia(Rogue, 2007, Australia/USA. Greg McLean):
El australiano Greg McLean arrasó en 2005 con su ópera prima “Wolf Creek”, un durísimo “survival” de corte realista alabado por el mismo Quentin Tarantino (y seguramente odiado por el Ministerio de Turismo de Australia). Tras semejante éxito, los Weinstein ofrecieron al talentoso director 25 millones de dólares para rodar esta historia sobre un cocodrilo asesino. Por desgracia, los productores no parecieron enterarse de que tenían una joya entre manos, condenando a la película al olvido tras estrenarla en USA en nada menos que …….. 10 salas!!!.
Aún hoy en día no se entiende tal decisión, pues este “Rogue” de McLean es sin duda una de las mejores películas de animales asesinos de la historia, un vigoroso ejercicio de narrativa clásica en el que el realizador de las antípodas demuestra un magistral dominio del suspense y una asombrosa capacidad para resaltar visualmente la agresividad de los parajes naturales de su tierra natal. Con un reparto ajustadísimo (a los eficientes Michael Vartan y Radha Mitchell se unen nada menos que unos, entonces no muy conocidos, Sam Worthington y Mia Wasikowska), una tensión creciente, unos cuidados efectos visuales, y una astuta dosificación de los momentos de impacto, “El Territorio de la Bestia” es a día de hoy un título mucho menos valorado de lo que se merece, e incluso es programado con asiduidad los fines de semana en España en horario de telefilm, así que, si un día la “cazáis” haciendo “zapping”, seguro que no os defraudará.
Agárrame esos Fantasmas (The Frighteners, 1996, Nueva Zelanda/USA. Peter Jackson):
Película sepultada entre la fama “friki” de sus primeros trabajos “gore” y el arrollador éxito “mainstream” de su trilogía de los anillos, esta “The Frighteners” es sin duda la joya olvidada en la filmografía de Jackson, y una película que le llegó en un momento de máxima inspiración creativa, tras rodar la excelente “Criaturas Celestiales”.
Estamos ante un thriller sobrenatural con elementos de terror y toques de comedia enloquecida que Jackson rodó con la energía visual y narrativa de sus primeros trabajos, pero contando esta vez con un presupuesto decente y un guión ingenioso y de buena progresión dramática, evitando en todo momento que el estilo acabara “comiéndose” a la historia. Un acertadísimo Michael J. Fox (ya visiblemente perjudicado en lo físico) interpreta a un cazafantasmas que utiliza sus poderes sobrenaturales -adquiridos tras un suceso traumático- para estafar a sus clientes, mientras una serie de asesinatos en serie comienzan a sucederse en el pueblecito en el que reside. La película posee un tono muy oscuro a pesar del humor, y el personaje de Jeffrey Combs es todo un hallazgo pero, lamentablemente, la crítica no supo reaccionar ante tan curiosa mezcla de géneros, y el público no aceptó el grado de sofisticación de una propuesta que nació con el sello de película de culto. Mención aparte merece el lamentable trato que recibió en su distribución en España, donde se intentó aprovechar el tirón de las comedias del trío ZAZ a través una ¿traducción? del título absolutamente ridícula.
Días Extraños(Strange Days, 1995, USA. Kathryn Bigelow):
A pesar de que, tras convertirse en la primera realizadora de la historia en ganar el Oscar a la mejor dirección, su filmografía ha sido objeto una notable reivindicación, lo cierto es que casi nadie se enteró cuando, allá por el 95, Kathryn Bigelow estrenó este impresionante espectáculo audiovisual que es “Días Extraños”.
La película fue un fracaso sonado, debido principalmente a la época del año en que fue lanzada (Navidad) y a un guión, que al acumular tantos meandros en su acto final, acabó distanciando de la historia tanto a los espectadores como a los críticos más perezosos (que son los que más). ¿Se merecío el trastazo que se pegó? En absoluto; “Strange Days” es un extraordinario cyberthriller futurista con estructura y atmósfera de “noir” clásico al que se añaden unas generosas dosis de acción desbocada y mucha intriga. Es también un espectáculo visual de primer orden con un ritmo tan trepidante que hace que el generoso metraje pase como un suspiro, pero subordinando siempre su virtuosismo técnico a una complejísima historia en la que convergen hasta tres líneas argumentales principales. Y finalmente, es también un recital interpretativo cortesía de Ralph Fiennes, Juliette Lewis y Angela Basset, ajustadísimos a sus muy interesantes personajes. En resumen, una película que, como producto comercial, simplemente roza la perfección por la eficacia con la que combina inteligencia y espectáculo. Indispensable no sólo para cualquier aficionado al cine de género, sino al cine en general.
Sunshine (Danny Boyle, 2007, UK/USA. Danny Boyle):
Y terminamos este repaso con “Sunshine”. ¿Qué decir de la incomprendida Obra Maestra de Danny Boyle? Sólo que es una de las películas (de género o no) más emocionantes, poderosas y emotivas de los últimos años.
A partir de una historia simple (el sol se muere y un grupo de científicos y astronautas se embarca en una misión casi suicida para reactivarlo), con una premisa de ciencia ficción seria, pero ideal para que el director británico despliegue toda su sensibilidad “new age”, Boyle consigue una de las grandes películas de los últimos años, con un ritmo narrativo que funciona como un mecanismo de relojería, una potencia visual abrumadora, y una intensidad dramática en los momentos de conflicto entre los miembros de la tripulación (una vez que la misión comienza a torcerse) que debería hacer palidecer de envidia a Nolan (y a sus algo pedantes, artificiales pretensiones de trascendencia) por la naturalidad con que toca la fibra emocional (¡Ojo!, emocional, que no sentimental) de los espectadores. Pero es que hay más: un reparto magnífico (en el que todos están a la altura, sorprendiendo especialmente la gran labor de Chris Evans), y una banda sonora de John Murphy que debería ser reseñada en el diccionario cuando se busca el adjetivo “epico”. Y todo ello con apenas 30 millones de dólares de presupuesto y en apenas 107 minutos de metraje. ¿Por qué fracasó? Difícil de explicar, aunque es cierto que un último acto con ciertos toques lisérgicos, y que parece entrar en el terreno del “slasher”, desconcertó a muchos, a pesar de encajar plenamente con el estilo de Boyle. Solo un dato para la reflexión de todos, como espectadores: esta maravilla recaudó la risible cantidad de 32 millones de dólares en todo el mundo. El año pasado, películas tan mediocres como “San Andreas” o “Terminador Genisys” rondaron los 450.
